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音乐之外(德国摄影师Frank Tischer的风景史诗) [复制链接]

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拜访毕加索的摄影师介绍

Gjon Mili1904年出生于阿尔巴尼亚,1923年来到美国,1984年逝世。他曾作过介绍的Harold Eugene Edgerton合作进行了几次摄影尝试,通过闪光灯来固定画面,捕捉一系列运动的场景。

音乐是使人生活得更有意义的方式之一。

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光影绘画原理

原理就是把照相机的快门调的非常慢,然后用发光体挥舞出形状,然后相机就记录下了发光点的运动轨迹,就成了你看到的样子了。

用相机拍摄一张图片(快门打开不闭合),用类似我们常玩的“红外线”的激光笔在图片上移动,相机就记录下了反光点的运动轨迹,完成后关闭镜头冲洗,再经PS后就完成了。

(编写自网络)

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毕加索的光影涂鸦照片:




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波德莱尔

常玉那个贴谈到波德莱尔,波德莱尔是法国象征派诗人,兰波称他为诗人之王,诗歌中的皇帝。
大家都知道诗歌《恶之花》,这就是波德莱尔的代表作,常见的译本是郭宏安的翻译。


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诗歌与音乐有很多共通之处。诗歌的翻译,也存在不同版本,象古典音乐一样。
欣赏诗歌,从中获得的乐趣,和欣赏音乐、绘画、文学等艺术是一样的。
《恶之花》的翻译也有多种版本:


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波德莱尔的作品,除了诗集《恶之花》,他还有一部非常著名的散文诗集《巴黎的忧郁》。
波德莱尔是西方诗歌史上的一个非常著名的诗人,我们了解他的世界观、美学思想、文艺思想,今天仍然很有意义的。


音乐是使人生活得更有意义的方式之一。

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波德莱尔的作品及美学思想

夏尔•皮埃尔•波德莱尔(Charles Pierre Baudelaire,1821年4月9日-1867年8月31日),法国十九世纪最著名的现代派诗人,象征派诗歌先驱,代表作有《恶之花》。从1843年起,波德莱尔开始陆续创作后来收入《恶之花》的诗歌,诗集出版后不久,因“有碍公共道德及风化”等罪名受到轻罪法庭的判罚。1861年,波德莱尔申请加入法兰西学士院,后退出。作品有《恶之花》、《巴黎的忧郁》、《美学珍玩》、《可怜的比利时!》等。

作为西方现代主义文学的先驱,波德莱尔用作品奠定了这一文学分支的基调:摒弃传统,独辟蹊径。他从自己的创作出发,在诗歌题材上大胆创新,选取城市的丑恶与人性的阴暗面而创作。他在习以为常的具象中,展现人生的各个层面。诗人拒绝把生活空虚地理想化,拒绝浮面的欢娱自足,他要返回存在的本质层次,因而把社会病态诉诸笔端。波德莱尔认为“丑恶经过艺术的表现化而为美,带有韵律和节奏的痛苦是精神充满了一种平静的快乐”,这是艺术的作用之一。

作为法国象征主义诗歌的鼻祖和现代主义诗歌先驱,波德莱尔身上还充溢着一种大胆的反叛精神。法国象征主义诗人兰波尊他为“最初的洞察者,诗人中的王者,真正的神”。波德莱尔认为:在每个人身上,时刻都有两种要求,一种趋向上帝,一种向往撒旦。对上帝的祈求或是对灵性的祈求是向上的愿望,对撒旦的祈求或是对兽行的祈求是堕落的快乐。

这些内容在《恶之花》尤为明显,《恶之花》无论从内容上还是形式上讲,都在法国诗歌发展史上具有划时代的意义。它开创了一个崭新的诗歌王国,把诗歌的创作引到了一个前所未有的境地,为诗歌创作展示了美好的前景。在内容上,它第一次大规模地将城市生活引入诗歌王国,扩大了诗国的版图。谁也没有象他那样探入人的心灵深处,到那最阴暗的角落里去挖掘,因而加深了诗的表现力。在艺术上,《恶之花》也取得了极大的成就,它继承了古典诗歌的明晰稳健,音韵优美,格律严谨,又开创了一种新的创作方法,即象征主义。波德莱尔不但是法国象征派诗歌的先驱,而且是现代主义的创始人之一。现代主义认为,美学上的善恶美丑,与一般世俗的美丑善恶概念不同。现代主义所谓美与善,是指诗人用最适合于表现他内心隐秘和真实的感情的艺术手法,独特地完美地显示自己的精神境界。《恶之花》出色地完成这样的美学使命。

波德莱尔也反对崇古抑今,他认为“美”具有现代性,美就存在于现实的世界。当然,这种“美”是需要通过“应和”来发掘的,波德莱尔认为美存在于隐藏着的“另一个世界”,是上帝根据自己和天堂的形象创造和规定的,艺术家的作用就是用一种单纯、明晰的语言来说明这个更为真实的世界。(编写自网络)
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抽象派画家马克•罗斯科



如果你对西方的抽象艺术感兴趣,一定要了解一下马克.罗斯科。

美国抽象派画家马克·罗斯科(MarkRothko19031970)生于俄国,十岁时移居美国,曾在纽约艺术学生联合学院学习。他最初的艺术是现实主义的,后尝试过表现主义、超现实主义的方法。以后,他逐渐抛弃具体的形式,于40年代末形成了自己完全抽象的色域绘画风格。

1950年代,马克·罗斯科的声望稳定上升。1958年被选为威尼斯国际博览会美国代表。对他来说,作画过程类似宗教祭典。他常常彻夜不眠,从下午5时一直工作到次日早上10时。他在剧院舞台那样强烈的灯光下作画,展览时,却把灯光安排得较暗,从而使他那些强烈的大色块从环境中凸现出来,仿佛悬浮在空中,给人造成强烈震撼。1961年,马克·罗斯科在纽约现代艺术博物馆举办个展,达到艺术事业顶峰。收藏家、经纪人、批评家蜂拥而至,甚至肯尼迪总统也来捧场,对其敬重三分。

马克•罗斯科可说是自学成才,罗斯科对哲学和心理学有浓厚兴趣。这喜好启发他阅读大量有关神话和精神分析的书籍,加上一生热衷戏剧和音乐,皆为他带来不少创作灵感。马克·罗斯科的艺术注重精神内涵的表达。他力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义。他认为,今日西方文明根植于西方的传统文化,尤其是希腊文化。希腊悲剧精神中人与自然、个体与群体之间的冲突,正是人的基本生存状态的写照。

马克·罗斯科早年受希腊神话、原始艺术和宗教悲剧等传统题材对描绘人类深层的情感元素所吸引,复又受胡安·米罗 (1893-1983) 及安德烈·马松 (1896-1987) 等超现实主义画家的创作手法所影响,使他创作出带有超现实主义色彩的作品。1947年以后,他趋向以更纯粹的形式和技巧去创作。到了1950年他已完全抛开了具体形象,这时期的代表作品,常见巨大的彩色方块,配以朦胧柔和的边缘,简洁单纯地悬浮在画布上,找不到有深度的空间,而这种很浅的空间忽远忽近,不可捉摸。色彩之间的相互关系因为长方形空间而起作用,造成一种温和而又有节奏的脉动感,不清晰的交界处隐隐地藏住很多耐人寻味的东西。以此唤起人类潜藏的热情、恐惧、悲哀、以及对永恒和神秘的追求。他旨在超越一切理智跟感官认知,追寻人生的终极哲学——赤裸又神圣的宗教体验与感情。他说,“我唯一感兴趣的是表达人的基本情绪,悲剧的,狂喜的,毁灭的等等,许多人能在我的画前悲极而泣的事实表明,我的确传达出了人类的基本感情,能在我的画前落泪的人就会有和我在作画时所具有的同样的宗教体验。”罗斯科的画往往尺幅很大,这是为了能让人置身于体验之中。

罗斯科要在西方的传统文化中找到今天西方文明的根。他认为现代人的内心体验没有离开从古至今的传统,因此要表现精神的内涵需要追溯到希腊的文化传统中去,尤其是希腊文明中的悲剧意识,这是最深刻的西方文化之源。他运用大量纯净的色彩表达无形的思想, 作品总蕴含着一种或淡或浓的沉郁,营造出或朴素或诗意,以至充满戏剧性的气氛和效果。

(编写自网络,非原创)

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