《视听前线 》2013年3月刊——坚持品牌理念，为梦想奔跑（二）访... [复制链接]

    记者：录音过程中，这么多不同的场地，你是怎么进行调整的？各自的特色是什么？
       刘达：那就是一个经验的积累了，里面的场地大多是北京的四个音乐厅——北京音乐厅、中山音乐堂、保利剧院、21世纪剧院。像北京音乐厅，混响很充分，但是高频有点脏，非常适合录制室内乐，大家都知道飞利浦的弦乐是最好听的，怎么找到这种声音的？我们就是拿它作对比，我们在录制之前就跟乐团说在北京音乐厅录制，声音会更奶油、更松软一点，乐团也很配合，人家就会去协调，包括用什么方法去录，不同作品有不同的处理。莫扎特的作品要录出宫廷感，你可以用胆咪；像马勒、老柴这些作品，要录出很爽很凌厉的声音，就要用到晶体管。每个东西都是不同的。我们必须有足够多的硬件去支撑我们做这些事情。

    记者：这些录音时间跨度长达3、4年，有些曲目也不是只演一场。那么您在挑选时是出于一种什么样的标准？
    刘达：首先你的演绎要够好，现场本来就是一个残缺的艺术，不能说场场都没有问题，但这100张CD的录音都基本上没有问题，演绎都很好。明显错误就是绝对不能要了，其次就是版权，你觉得录得好，演绎不错，但是人家得给你版权啊，这又是难度的事。所以就是三个方面：演奏质量、录音版权、后期制作。其实我们还有大量的录音，但是我们觉得放在一起搭配不合适，各位乐迷可以细心发现，这个套装的比例是怎么样的，中国作品占了多少，新作品占了多少，西方作品占了多少。我们都是有个比例划分的，我不能说出来，说出来没意思了，这里面确实有一个删减。我们一开始就有一个规则，这场好也放，那场好也放，最后不就变成大拼盘了么？我特别惋惜没有收录谭盾的作品，在版权上出了问题，最后只能放弃。


    所有的现场录音都是有瑕疵的，福特文格勒有，卡拉扬也有，这就是艺术的魅力，它是一个不可预知、瞬间火花迸发的艺术，如果任何东西都是规定好的010101，那人活着还有什么意思？没有任何精彩。为什么我痴迷于现场？因为这些才是艺术的核心，就如同人手缝制的衣服跟机器制造的衣服还是不一样的。

    记者：那有没有一些录音是修补过的？
    刘达：有一些是的，有一些是用排练或者走台的录音进行剪辑的，但不是刻意去做，还是追求自然的效果。而且这些音乐家，都是世界顶级的，中国的乐团发展到现在，水准还是很高的了。


    记者：作为这套唱片的制作人，你会怎样引导乐迷们去欣赏这套唱片？
    刘达：听众如果对中国作品感兴趣的，这里有一些从来没有录制过的中国作品，或者说没有录制过这么有音响性的中国作品录音，音响爱好者可以在这里找到像《罗马的松树》、陈其钢的《遗忘的时光》这类动态很大、声场很宽泛的录音，各个方面都是照顾得比较全面的。


    记者：有人说录音是一种技术，李小沛老师觉得录音是一个再创造的过程。对此您怎么看？

    刘达：我觉得说得对，但录音不单是再创造，它是一个桥梁，特别是对古典音乐来讲，它是一个时代的递交者，以前的莫扎特和现在演奏的莫扎特都不一样，那怎样做出这种气质以及音乐感？这就是录音师该干的，我们也像其他录音传奇人物一样对录音的现有技术进行着改良。


                                                            
                                                                                        文本摘自《视听前线 》2013年3月刊

                                                                                                                                                                    ——————达人艺典，珍藏好声音

都想做钢琴家，录音师，歌手，提琴手，制作者，就是没人想做创作者，
都喊着要听CD，学发声，练指法，背五线谱，就是没有人玩音乐。

有幸见过刘达一面，这么年轻有为，看来国内的录音行业大有前途。